音樂(music)是憑借聲波振動而存在、在時間中展現、通過人類的聽覺器官而引起各種情緒反應和情感體驗的藝術門類。《牛津簡明詞典》將“音樂”定義為“結合聲樂或器樂（或兩者）以產生形式之美、和諧和情感表達的藝術”。音樂的基本要素包括強弱、調性、時長、音色等，由這些基本要素相互結合，形成音樂的常用的形式要素，例如：節奏、曲調、和聲，力度、速度、調式、曲式、織體等，又可按體裁、形式分為交響曲、協奏曲、室內樂、合唱、歌曲以及絲竹、吹打、嘻哈音樂等。在歌劇、舞劇、戲曲、電影等綜合藝術中，音樂是重要的構成因素之一。
音樂的起源可以追溯到史前時期，當人類還沒有產生語言時，就已經知道利用聲音的高低、強弱等來表達自己的意思和感情了。隨著人類勞動的發展，逐漸產生了統一勞動節奏的號子和相互間傳遞信息的呼喊，這便是最原始的音樂雛形。遠古樂器也起源于人們生產勞動的時間，材料多選用石、陶、木、骨等，主要分為打擊樂器和吹奏樂器兩大類。打擊樂器可能是人們在打擊石塊制造石器或是砍鑿木頭制作木器時受到聲響和節奏的啟發而發明的，并因此制成陶鐘、石磬、木鼓、陶鼓等。吹奏樂器的起源可能與狩獵時引誘禽獸的擬聲工具及口哨有關，以后才逐漸演變成專門用來演奏的樂器，有陶號角、陶塤、骨哨、石哨、骨笛等數種。隨著人類社會的進步和文化的交流密切相關，不同的地區和民族形成了各自獨特的音樂風格和特點。音樂逐漸地可以分為不同的類型，如古典音樂、鄉村音樂、嘻哈音樂、搖滾、電子音樂、藍調音樂、雷鬼音樂等。音樂的發展受到了科技的影響，如印刷術的發明促進了音樂的傳播和保存，近代以來，電力的發展創造了新的音樂媒介，如電影、唱片機、無線廣播、電視等，20世紀90年代以后，互聯網的出現不僅為音樂提供新的傳播媒介，還匯集了音樂創作與出版、教育和評論等等傳播形式，在時間和空間上實現了空前的可能性。
音樂具有多種功能，首先，音樂能夠給人一種聽覺上的愉悅感，能夠放松心情，促進身心健康。其次音樂具有教化作用，可以培養人的心靈和智慧，還可以陶情情操，能夠使人棄惡揚善，從而使得人們在思想道德上受到洗禮和升華。最后，音樂也是一種具有保護意義和傳承意義的非物質文化遺產，因能夠保存和展示人類的文化遺產和民族特色，傳承和發揚人類的文明和精神而受到了國際社會的重視和保護。
音樂概念
遠古音樂大致是一種歌、舞、樂三位一體的音樂形態。很長一段時間內，它們都以這樣的綜合形式存在著。春秋時期，私塾開始興盛。孔子興辦私塾是一件教育的大事，其中，作為教育必修科目“六藝”（禮、樂、射、御、書、數）之一的“樂”，就是這種混生性的藝術活動。第一次出現音樂這個詞是在《呂氏春秋·仲夏記》中，前文先說：“音樂之所由來者遠矣:“生于度量,本于太一。太一出兩儀 ,兩儀出陰陽;陰陽變化,一上一下,合成樂章”，表示音樂最早出現的意義是因為人的音樂聽覺特質是一種先天的自然產物。后文再說： “萌芽始震，凝寒似形。形體有處，莫不有聲。聲出于和，和出于適。先王定樂，由此而生。說明“樂”最初的含義是和諧的，協調，同時認為人的音樂聽覺特質是產生于人對聲音的適應性作用此后，“音樂”一詞逐漸取代原先“音”一詞的地位，用以指稱音樂這一藝術門類；而“音”一詞的含義則逐漸變窄，僅指有確定音高的樂音（例如“五音”）。到后來，“樂”一詞才作為“音樂”一詞的簡稱而用來指稱音樂。
在西方國家，“music”一詞起源于希臘文的“mousike（techne）”，含義為“technology of the Muses”，表示“獻給智慧女神繆斯的藝術”。Mousike在古希臘不單指音樂，而是包括人文領域的多個分支，如舞蹈、詩歌、演唱、樂器演奏等，以及各類文化與智力活動。在歐洲，拉丁文中的音樂一詞“Musica”，也是起源于希臘神話女神繆斯的名字，此外，來自古法語 musique “音樂藝術”，還包括詩歌（也是西班牙語 musica 、意大利語 musica 、古語的來源高地德語 mosica 、德語 Musik 、荷蘭語 muziek 、丹麥語 musik ）、源自希臘語 mousikē (technē) “（藝術）繆斯女神”，來自 fem。 mousikos “關于繆斯的；音樂的；受過教育的”。 如果要在現在的英文中尋找一個詞對應mousike的話，最合適的詞應該是人文科學概論。對music具有現代意義的更狹義地使用出現后，music便只指代唱歌與樂器演奏，或與旋律相關的藝術形式。但“音樂”一詞的具體含義，實際上到了今天依然在發生變化。
歷史發展
起源
音樂的起源可以追溯到遠古時代。在還沒有產生語言時，人類已能在自然中探索高低、強弱等聲音，以互相表達真情實感。人類在勞動生產的過程中，自然而然地產生了號子、口號等音樂元素。音樂形式從這些音樂元素開始有了萌芽。人們通過敲打石器、木器等各類器材以表達喜怒哀樂的情緒，而這些器材便是遠古樂器的雛形。關于音樂起源的爭論，由來已久，目前學界各執一詞，不同流派都能找到似乎合理的依據，大致有以下幾種：
巫術起源說：“ 古代人民的特定環境以及特定意識形態決定了他們對各種無法解釋的自然現象會產生一種精神寄托。”對此，古代文獻多有記載，《呂氏春秋·古樂》中的“昔古朱襄氏之治天下也，多風而陽氣蓄積，萬物散解，果實不成，故士達作為五弦瑟，以來陰氣，以定群生”表明遠古先民希望用五弦琴求陰氣，以安定人民的生活。對此，中外學者也有一些不同的評價，王國維對歌舞與巫術的關系做出了詮釋：“歌舞之興，其始于古之巫乎？”法國音樂學家孔百流也主張：“音樂是在原始巫術中產生的。
感情說：從彩陶舞蹈紋盆上所畫的拉手跳舞的先民來看，遠古的人們對情感的需求是存在的，對此，《史記》也指出：“ 凡音之起，由人心生也。....樂者，音之所由生也，基本在于人新感于物也”。《呂氏春秋·音初篇》記載了四段民俗音樂起源的傳說，都說明音樂是人類抒發感情的方式。
模擬自然說：古代先民聽到自然界的很多聲音，然后模仿其中的一些來創作音樂，此學說的代表人物英國音樂出版家克羅威斯特認為，人類從這些自然的音響中得出靈感，因而創造了音樂。
異性求愛說：英國生物學家查爾斯·達爾文曾提到，音樂與鳥鳴聲有直接關系。他認為動物之間的一種求偶方式是通過聲音來體現的。為了引起異性的關注，各類動物爭相發出優美的聲音，尤其鳥類求偶時發出的聲音通常被認為是最有美感的，因為它們的聲音極富歌唱性，它們的叫聲包含有一些音樂的元素，如節奏、音高等。
語言抑揚說：法國思想家讓-雅克·盧梭認為人類在感情激動的時候產生的昂揚語調就是歌曲，人們的感情往往在情緒起伏中容易傳達出一些不同的音高起伏的聲音線條。因此，音樂在這樣的背景下孕育也被認為是形成音樂的必要條件。
信號說：德國學者修頓普佛曾提出，音樂起源于人類的彼此呼應。人們的生產生活中實踐出來的一種方式就是彼此的呼應，如由于陜北地區農村地區特殊的地域特征，為了傳達信息，人們往往通過擴音器一樣的手型來吶喊。
勞動說：恩格斯曾說：“勞動創造了人類本身。”音樂作為來源于生活的藝術形態，起源于勞動是當今學界的共識。人們的生產生活過程產生了節奏。比如，人們必須要有統一的節奏感才能協調地進行拉纖這項勞動。對以上的說法，古籍也有記載印證。劉安的《淮南子·道應訓》中的“今夫舉大木者，前呼‘邪許’，”后亦應之。此舉重勸力之歌也”被專家學者認為是我國第一首勞動號子。
關于音樂的起源還有一些學說，如太一說、個人創作說等都在某個層面上道出了音樂起源的方式。總結起來，勞動說的音樂起源方式為當下學界的共識。
世界音樂史
古代音樂
最早的樂器是嗓子和雙手（雙手擊掌強調了歌唱的節奏），以后有管樂器（起先只是簡單的傳聲筒，后來很快發展為小號、長笛和雙簧管），最后才是弦樂器（它們共同始祖就是狩獵用的弓）。人們曾在迦樂底發現一架古豎琴，它產生的年代可能要追溯到公元前三十世紀。
古西亞大約在公元前3000年就已出現弦樂器——弓形豎琴，其后又派生出多種形制，琴弦也由5根發展到15根不等。同時，另一種弦樂器“里拉”也出現了，是古希臘里拉的前身，在U型框架上張7～11弦，飾以牛首，置于膝上雙手彈奏。還有橫笛、豎笛、號、雙簧管、雙笛、各種鼓（如鍋狀鼓、鼓）、嘩啷棒、拍子板等樂器。從古文字記載中可以看到當時的音樂以聲樂為主，有頌揚神和民族英雄的贊歌，也有一般的歌曲，均用樂器伴奏。這時期還產生了職業音樂家（分為幾個等級），活動于廟堂祭祀或宮廷、貴族的宴之上。
上溯至公元前3000年的古埃及，在金字塔（陵墓）內的壁畫、雕刻和出土文物中，可知其已使用多種樂器。主要樂器有西斯特魯姆（一種金屬叉，是宗教的象征）；有阿夫路斯狀的兩根笛——雙笛；琵琶型的弦樂器，上張6～12根弦的弦樂器。在出土的莎草紙文書中還載有音樂演出活動的情況。
為數不多的已知最早的音樂作品之一是幾十年前出土的。它被稱為《胡里安歌曲》，是刻在楔形文字泥板上的音樂合集，其歷史可以追溯到公元前 1400 年左右。胡里安贊美詩顯然是一首宗教歌曲。人們唱這首歌是為了祈求尼卡爾將她的生育能力賜予那些無法生育的婦女。
而最早樂器的制作方式則是在長笛上鉆孔，例如：2008年，在德國西南部霍赫勒·菲爾斯（Hohle Fels）洞中發掘出35000年前由兀鷲的橈骨制成的骨笛，這只骨笛由12塊散落的禿鷹骨雕成的部件組成，蒂賓根大學考古學家尼古拉斯·康納德稱這是世界上最古老的手工樂器，是研究歐洲早期現代人文明的重要材料。
在古代，中國、印度、埃及和希臘人就早已習用七聲階，只不過在音程的處理方式上則各有差異。
歐洲音樂史
希臘音樂
在古希臘，音樂已經融入了古希臘人的社會生活中，比如：在某些隆重的節慶儀式上，著名的在古希臘音樂琴手會舉辦大型的公開比賽會，在全城人都參加的正式典禮和公眾的節日中，總會是上演于音樂戲劇。此外，古希臘人將各種美德都歸功于音樂，他們的哲學家已經非常細致地確定了每個調式的表情意義或者精神特征。
在這一時期，古希臘主要使用的樂器有：豎琴和基他拉琴（在很長時間了它們一直都是七根弦），奧洛斯（乃依）和西靈克斯（潘神排簫）。此刻，奧洛斯獨奏的演技在古希臘就已是十分發達的藝術，其他拉琴的獨奏技藝也已開始風行，盡管器樂流行，但最初的希臘音樂卻以聲樂為主，例如描述阿波羅殺巨蟒的《巨蟒曲》
在公元前4世紀左右得到很大發展的悲劇藝術中，我們可以看到悲劇合唱中的酒神頌、日神頌以及飲酒歌所反饋的一些當時的音樂形式。在希臘化時期，樂理也相當發達。如畢達哥拉斯（約公元前580年～約公元前500年）的弦長比例理論，音樂與天體和萬物的運動是諧和的同樣，也存在數的關系。再如柏拉圖（約公元前428年～公元前322年）、亞里士多德（約公元前384年～約公元前322年）等人倡導的音樂的道德感化作用，認為音樂對人的心靈、性格的完善有顯著影響，反對衡量音樂藝術的尺度是娛樂，指出應將音樂列入青年的教育課程里等。
古希臘音樂已采用字母記譜，但無節奏標記。
中羅馬音樂
古羅馬音樂文化主要來自古希臘、巴比倫、埃及、敘利亞、西班牙等地，但卻失去希臘文化全民的、健康清新的性質。古羅馬音樂崇尚娛樂性，擁有龐大的歌隊和樂隊，軍隊中用以炫耀軍威，宮廷貴族們用以炫耀權勢或將音樂淪為純娛樂的工具。在民間，伴有歌唱和喧鬧的樂隊伴奏的假面即興滑稽戲和獨舞啞劇也獲得發展，演出于露天。之所以如此，與統治階級對有民主傾向的文藝進行鎮壓有關，在公元前450年公布的《十二銅表法》中就有處死編造或歌唱含有誹謗或侮辱他人的歌詞的人的條律。
由于羅馬崇尚武藝，常年征戰，所以銅管樂器相當發達，常見樂器有大號（Tuba)和角號（Cortu），以及用于劇場和家庭的水壓管風琴（Hydraulis），因為羅馬帝國商業繁華，各國音樂家移居羅馬古城謀生，也帶來了各國的樂器，如東方的直角、豎琴、長頸魯特琴，還有打擊樂器邊鼓、鈴鼓和青銅等。
羅馬人最喜歡的音樂藝術品種為笑劇和啞劇，笑劇的娛樂性很強但趣味不高，甚至近乎猥褻，啞劇士一種表現神話故事的戲劇舞蹈，由合唱隊和阿夫洛絲管伴唱和伴奏。除此之外，羅馬帝國另一種代表性的音樂品種是軍樂，羅馬軍團的每一種軍令都可以用軍號發布，不用的命令要用不同的軍號來吹奏。
基督教音樂
4世紀初，隨著羅馬帝國的國力衰弱，基督教在羅馬內部迅速崛起，此時，教會將音樂當作傳播信仰的工具，音樂也因此成為禮拜儀式的重要組成部分，到了5世紀上半葉，教皇利奧一世將一年中所應用的儀式、禱文、經文和圣詠合編成《利奧圣禮書》，這也是最早的羅馬圣禮書之一。在另外一個基督教音樂發展中心米蘭，主教安布羅斯為了防止信徒們因由于過度而精神沮喪，安布羅斯開始在禮拜儀式中加入詠唱贊美詩和用交替合唱的方式來演唱圣經詩篇。因此他創立了著名的安布羅斯贊美詩體，所作的贊美詩《永恒的造物主》至今仍是羅馬教會日課儀式的必唱曲目。
此時的基督教提倡純聲樂的儀式音樂，竭力反對在禮拜過程中使用樂器。
中世紀音樂
中世紀音樂開始于西羅馬帝國滅亡的公元前476年。在羅馬教皇軟弱無力、西方世界四分五裂的情況下，羅馬教會所屬各地區的禮拜儀式和圣詠音樂也各自發展，形成具有區域特征的風格與派別。比較突出的是法蘭克王國的高盧圣詠，西班牙境內的莫薩拉比克圣詠，米蘭的安布羅斯圣詠。
11世紀下半葉到13世紀，一方面基督教音樂繼續發展，形成哥特式風格，與此同時，以騎士音樂為代表的世俗音樂也十分興盛，比如：法國游吟詩人，德國的戀詩歌手，此時的歌曲多為單聲部的分節歌。此外，中世紀又是多種音樂風格并存發展的時期，既有單聲部音樂，又有復調聲樂，既有世俗音樂又有基督教音樂的傳統。
隨著音樂實踐內容的日益豐富，教會音樂理論也迅速發展，除了教會調式體系外，奧多在935年提出完整的字母音名體系，圭多發明沿用至今的唱名法；記譜法也從文字譜、紐姆譜到線譜。大約1260年，弗朗科確立了有量記譜法，解決自古以來無法解決的記錄音符時值得問題。
在樂器方面，基督教教會也不再反對使用樂器，管風琴迅速發展，與此同時，用于世俗音樂得樂器有弓弦樂器、撥弦樂器和管樂器。例如：維埃爾琴（Vielle)、輪擦提琴（organstrum,hurdy-guidy)、豎琴（harp)索爾特里琴（psalter)、魯特琴（lute)和吉他（guiter)。
文藝復興音樂
文藝復興是從14世紀起在意大利興起，從15世紀后期逐漸擴展到整個歐洲，并于16世紀達到鼎盛的一場波瀾壯闊的思想文化運動。整個文藝復興時期的音樂生活和音樂風格都有很大的變化。勃艮第公國因并入法國，因此形成了佛蘭德樂派。隨著宗教改革運動的發展，教會音樂分裂成天主教和新教，宗教音樂中的民族因素和世俗因素增強。專業音樂家和業余音樂愛好者的人數不斷增加，因此樂譜的需求量也隨之增長。1501年，威尼斯商人彼得齊出版了第一本用活字印刷術制作的復調聲樂曲集《歌曲100首》，到1523年時，由他出版的樂譜已達50余種。
此時的音樂作品開始運用音階種所有的半音，和聲的縱向結構以三和弦及六和弦為主，低音開始具備和聲功能的作用。聲樂作品以四個或四個以上的聲部為主，有復調和主調兩種聲部組合方式。16世紀中葉出現了“專用音樂”（Musica Resevata)這種名詞。同時，文藝復興時期也開始形成以相同音色為美的觀念。由于音樂實踐的要求，16世紀鍵盤樂器的樂譜首先使用了小節線。約在16世紀末，隨著創作方法改為同步構思，作曲家們就開始采用總譜寫作了，與此同時，各種總譜也開始使用小節線。
在樂器方面，文藝復興至巴洛克時期的常用樂器，有鍵盤樂器，弓弦樂器和管樂器。如：管風琴、魚管建琴、維吉那琴、楔建琴、單簧管、肖姆雙簧管、木管號、長號、小號。
巴洛克音樂
音樂史上通常將1600年（歌劇誕生）至1750年（約翰·塞巴斯蒂安·巴赫去世）這1500年稱作為巴羅克時期。巴羅克時期的音樂家是手藝人，服務于教堂、宮廷和自由城市，這種雇傭關系一方面約束了音樂家的創造，另一方面音樂加了解聽眾的趣味和演奏者的技能以及音樂的實際效果。此時的音樂都成為“功能性音樂”。
歌劇的誕生和器樂曲的發展標著巴羅克時期新風格的確立；聲樂和器樂作為音樂的兩大分支開始了相互補充、互相影響的獨立發展；復調音樂風格逐漸向主調音樂風格轉移；教會調式逐漸被大小調式代替；數字低音的運用引起了和聲學的新概念；大量新的音樂體裁不斷涌現。
在器樂方面，整個巴羅克時期基本沿用樂文藝復興時期的鍵盤樂器，即管風琴和古鋼琴（包括羽管鍵琴和楔棰鍵琴），但樂器制造業有了很大的發展。直到1800年，古鋼琴才完全失寵。與此同時，維奧爾族樂器與提琴樂器也一并存在。
在這一時期的代表作品為：約翰·塞巴斯蒂安·巴赫創作的《勃蘭登堡協奏曲》共包括6首協奏曲。除此之外，還有《馬太受難樂》《約翰受難樂》《B小調彌撒》以及200多首康塔塔。格奧爾格·亨德爾是與巴赫同為此時期代表人物。他的作品包括《阿爾西那》《奧蘭多》等46部歌劇及《彌賽亞》《掃羅》《參孫》等32部清唱劇。
古典主義音樂
18世紀中、下葉，歐洲社會發生樂深刻的變革，音樂是貴族們生活享受的重要內容，宮廷和沙龍仍是音樂活動的中心。大型作品，特別是歌劇，為慶典和款待賓客；小型器樂演奏和歌唱供自娛，王公貴族們是藝術的資助人，大小君主都雇有音樂家。到18世紀下半葉，音樂藝術的欣賞者不再局限于上層，新崛起的中產階級涌向劇場和音樂廳，提出了新的文化需求，為了迎合他們的口味，來自民間的各類歌劇日益興盛，各地的音樂會演出頻繁。出版業空前發達，家庭用的簡單通俗的器樂小曲和帶鍵盤樂器伴奏的歌曲占很大數量。進入音樂廳的有文化聽眾，也是報刊雜志的讀者，所刊載的音樂評論引導了觀眾的趣味，也促進了音樂會演出的繁榮景象。這一階段的音樂觀念和音樂風格也有了明顯的兩重性。貴族們崇尚優美典雅和精雕細琢的藝術趣味，啟蒙主義“返回自然”的思想則要求音樂質樸和平民化。
作為一個歷史時期，古典音樂的特征是；大小調體系已得到充分發展；主調織體成分，低音及和聲僅起伴奏作用；旋律結構已不用同于巴羅克時期的流態運動，常常是方整的；同時，節奏也形成了周期性結構，主題的動機式發展，力度較強和減弱的細致安排等等，都是古典主義時期常見的音樂詞匯。在聲樂音樂領域，產生了體現藝術大眾化的喜歌劇和藝術歌曲；在器樂音樂領域，包含對比主題，反映矛盾沖突、富于動力性的奏鳴曲式成為最重要的形式結構。基于奏鳴曲式的交響曲、協奏曲、奏鳴曲和室內樂等體裁從萌芽走向了成熟定型。
啟蒙運動和理性主義促進了知識的系統化。在法國，讓-雅克·盧梭編著了“音樂辭典”；在德國，對樂理有更廣泛的興趣不單出辦了關于演奏的論著，如框茨（J.Quantz)《論長笛演奏的教學》，埃瑪紐爾.巴赫（C.P.E. Bach,1714-1788) 《鍵盤樂器的正確演奏法》，還有馬爾普爾格（F.Maepurg)馬特松（J.Mattheson)等人寫的一系列關于音樂史、音樂評價、音樂美學等方面的著作。
這一時期的代表作品為：弗朗茨·海頓的《G大調第九十四交響曲》《時鐘交響曲》，清唱劇《創世紀》和《皇帝四重奏》等。沃爾夫岡·莫扎特的歌劇《唐?璜》《魔笛》等。此外，路德維希·范·貝多芬的《第三交響曲（英雄）》《第五交響曲（命運）》《降E大調第五鋼琴協奏曲》，鋼琴奏鳴曲《悲愴》《月光》《熱情》。弗朗茨·舒伯特的《野玫瑰》《魔王》，《未完成交響曲》，《死神與少女》四重奏，《鱒魚》五重奏，聲樂套曲《美麗的磨坊姑娘》《冬之旅》等。
浪漫主義音樂
19世紀開始，音樂中的浪漫主義因素占據重要地位，音樂史上將這一百余年稱為浪漫主義時期，整個19世紀充滿著自由與壓迫、邏輯與感情、科學與宗教信仰等種種矛盾。在此背景下發展的浪漫主義音樂，呈現出復雜的樣貌。首先，音樂家在路德維希·范·貝多芬的影響下走上了 “自由” 的道路，音樂家的地位從奴仆一躍成為時代的先導。音樂也朝著技藝高超和富麗堂皇的方向走去，促進了作曲技法和演奏技巧的發展。同時，音樂家們又深感很少能找到理想的聽眾而與心是的距離愈來愈遠，憑借 “內在的沖動” 創作，自我表白和親密交談也恰恰在這一時代最為流行。
浪漫主義時期的音樂風格對于古典主義來說，既沿用樂調式體系、和聲體系、節奏及曲式規范等基本相同，又在音樂體裁形式和音樂語言方面做出新的發展創造，如旋律的抒情性加強，樂句結構的伸縮性也變大。19世紀初，各國鋼琴制造假對現代鋼琴作了進一步改進，這一時期鋼琴是頗受歡迎的樂器。18-19世紀之交，鋼琴音樂形成了兩種不同的演奏風格，一直是以約翰·胡梅爾（Hummel)為代表，突出織體的清晰與技術的流利；另一種主要由路德維希·范·貝多芬體現，強調豐滿的音色，大幅度的力度變化，管弦樂般的效果和戲劇性的力量浪漫主義音樂依舊沿用了這兩種風格。19世紀的鋼琴音樂仍然采用奏鳴曲、回旋曲、變奏曲、幻想曲、賦格等傳統體裁以及舞曲和改編曲，但更具浪漫主義特征的是各種特性樂曲和標題小曲。
在這一時期，為宗教儀式寫的合唱音樂已經非常少。作曲家們仍采用彌撒曲、安魂曲、清唱曲等體裁。如門德爾松德清唱劇《伊利亞》威爾第《安魂曲》等。
這一時期的代表作品為；羅伯特·舒曼的鋼琴曲《蝴蝶》《狂歡節》等，聲樂套曲《婦女的愛情和生活》《詩人之戀》，藝術歌曲《月夜》《奉獻》等。艾克托爾·柏遼茲的《幻想交響曲》《羅密歐與朱麗葉》《浮士德的沉淪》等。弗朗茨·李斯特的交響詩《塔索》《前奏曲》，鋼琴音樂《匈牙利》等。弗雷德里克·肖邦的《瑪祖卡》《波羅奈茲》《夜曲》《前奏曲》《諧謔曲》《敘事曲》等。
20及21世紀歐洲音樂
19世紀末，沉重的壓力激發了年輕一代音樂家對瓦格納乃至對浪漫主義的反叛，反對極端主觀性和無限的夸大，反對感情的極度外溢和自欺欺人的理想。世紀之交，在法國，阿希爾-克勞德·德彪西采用一種較為內省和抑郁的語匯，形成 “印象派 ”的音樂風格。大約到1920年，西方音樂明顯形成要求豐富音樂語言和要求革新音樂語言兩種傾向，出現了關于音樂創作不同的美學見解。有的藝術家保持了19世紀將音樂作為個人表現的觀念，認為自己的創作時古典傳統的延續；另一些作曲家出于對舊世界的反叛和對新音樂的探索，否定音樂的“表現”功能，他們的創作以形式主義的面貌出現。新穎獨創、與眾不同，成了他們評判音樂的標準，此外，不少音樂認為藝術家應該社會責任感，為廣大人民群眾寫作。
20年代以后的西方音樂出現了流派紛呈、風格各異的現象。在總結戰前的種種實驗成果，并加以鞏固和發展的同時，也重視對傳統資源的開拓利用。阿諾爾德·勛伯格和他的弟子阿爾班·貝爾格、安東·馮·韋伯恩在表現主義音樂中竭力施展無調性的十二音音樂技法，音色旋律”的理論發展成把音色作為結構的手段。埃德加·瓦雷茲、奧利維埃·梅西安等人把阿希爾-克勞德·德彪西對色彩的興趣和探索，發展成引人噪音和開發新音源的 “色彩主義”。民族主義在兩次大戰之間形成更大的潮流，20世紀的民族主義音樂，讓古老的民俗音樂以棱角分明的形態與現代專業音樂創作并存一體，愈來愈多的作曲家認識到需要用民間和外來音樂賦予現代音樂以新的活力， 所有正義的音樂家，包括曾明確反對藝術與政治相關聯的人，都站到了反抗暴政、保衛祖國和捍衛自由的行列，他們所寫的這類作品，是20世紀音樂中不可忽視的篇章。此時，在不少西方作曲家身上還可明顯地看到創作風格的不斷更迭，以及既寫實驗性作品，又用傳統或通俗簡樸手法寫作的特點。50年代初開始，實驗性的傾向重新占據重要地位。比較集中地反映為絕對的控制與徹底的自由兩種類型。
50年代末，以魯托斯拉大斯基和克里斯托弗·潘德列茨基為代表德”波蘭樂派“（Polish School)和其他東歐作曲家又對“音簇”這種手法進行了新的發展，這種將靜止的、具有粗糙打擊樂效果的音簇流動起來，變成“音塊”“音帶”“音團”，將其稱作 “唯音音樂”。此外，隨著新的音響資源開拓波及到人聲領域，也開辟了另一條音樂道路-電子音樂，60年代初起，電子合成器開始在一些電子音樂室中出現，為電子音樂現場演奏提供了更大的可能，例如施托克豪的《麥克風之一》。進入60年代后，作曲家的音樂觀念發生了很大觀念，與文化界所謂 “后現代主義”的觀念保持了更多聯系，由此西方音樂進入了“后序列時代”。
這一時期的代表作品為：阿希爾-克勞德·德彪西的管弦樂《牧神午后前奏曲》《夜曲三首》《大海》，鋼琴作品《版畫集》《意象集》《24首鋼琴前奏曲》和歌劇《佩里亞斯與梅麗桑德》。此外，他創作的交響詩《牧神午后》，被認為是印象主義音樂的開山之作。阿諾爾德·勛伯格是德奧表現主義音樂的代表人物，他的代表作品有獨幕歌劇《期待》《月光下的皮埃羅》，十二音作品《樂隊變奏曲》《華沙幸存者》以及歌劇《摩西與亞倫》。
美國音樂史
美國音樂史是一幅豐富而多樣的畫卷。它是由廣泛的文化影響和傳統編織而成的。美國的音樂反映了許多民族和文化的融合，使這個國家成為今天的樣子。美國最早的音樂形式之一是美洲原住民部落的傳統音樂。 這是幾千年來代代相傳的。這種音樂主要是聲樂，一些部落也使用鼓、笛子和撥浪鼓等樂器。隨著歐洲殖民者的到來，新的音樂傳統被引入美國。新音樂包括合唱音樂、民俗音樂和古典音樂。非洲奴隸為美國帶來了豐富的音樂遺產，包括靈歌和工作歌曲以及傳統的非洲節奏和旋律。
美國音樂在專業音樂方面仍然遵循著歐洲的標準和模式，幾乎所有的作曲家，都曾經在歐洲進行過學習，因此音樂雖有著美國特有的表達方式，但仍然深受歐洲音樂的影響。19世紀末，Emile Berliner 創建?家公司來?產他的設備的平板唱片以此來大批量地記錄聲音，促進了流行歌劇的傳播，隨著美國版權法的加強，引發了?樂制作的繁榮。這激發了流??樂趨勢的轉變，從歌劇到歌舞雜耍和拉格泰姆等流派。20 年代，平板唱片在流行音樂行業的主導地位受到電子錄音的出現和廣播的快速發展的威脅。在此期間，新奧爾良爵士樂開始興起，它是是一種以器樂為主的即興音樂形式，融合了多種風格，包括非洲節奏、福音音樂和布魯斯音樂，而布魯斯也為搖滾的產生奠定了基礎。
第二次世界大戰后，美國社會環境發生變革，嚴峻的社會現實讓很多音樂家認為音樂應該承擔社會責任，讓音樂作品有益于人民的生活。也因此，多數作曲家的技術手法基本上保持了新古典主義，傳統的體裁卻變成新的，具體地方色彩的音樂的載體。交響曲也開始繁榮。第二次世界大戰使許多延續千年的西方傳統價值觀念發生了動搖，大批歐洲作曲家為躲避戰爭和納粹的迫害紛紛移居此地，也因此，美國成了現代音樂發展的一個重要的中心。
戰后新音樂的發展就是從對十二音指法的發現起步的，許多作曲家探索這種技法在音樂表現多樣化的可能性。新一代的作曲家從安東·馮·韋伯恩的音樂中受到啟發，從中找到一種徹底能夠擺脫傳統音樂觀念的束縛，開辟出一種完全 ”現代“的音樂。由此，” 整體序列主義“或”全面序列主義“的音樂開始盛行起來。50年代中期以后，整體序列音樂開始衰落，美國的作曲家則完全放棄了對音樂參數的控制，從另一個極端對傳統音樂觀念進行樂更為徹底的瓦解，開創出 “偶然音樂“的新潮流。到了50年代末，一種更為激進的以 ”音簇“為基礎的音樂開始萌芽。
20 年代到 1950 年代被認為是廣播的黃金時代，也促進了各地區的鄉村音樂在美國流傳起來。20世紀50年代的電視為?樂傳播提供了?種新的媒介，通過視覺伴隨著?樂的表演，吸引觀眾。
這個時期，搖滾音樂興起，成為美國流行文化的一個決定性特征。披頭士樂隊樂隊（the Beatles）、埃爾維斯·皮禮士利（Elvis Presley）和那個時代的其他標志性音樂家幫助搖滾成為一種主要的文化力量。這種流派至今仍然是一種流行的音樂形式。靈魂?樂也在這?時期蓬勃發展，出現了詹姆斯·布朗等傳奇?物艾瑞莎·弗蘭克林 (Aretha Franklin) 運?爵?樂和布魯斯元素來表達當代?活?裔美國?的情況和?臨的問題。隨著?間?樂所解決的?些問題消失或減輕，20 世紀 70 年代?證了?樂從關注更?社會的福祉向關注福祉的轉變的開始個?的存在和需求。華麗搖滾興起，本質上具有明顯的個?主義?彩；它是伴隨的個??格強調華麗和個性。20 世紀 80 年代，黑人為了表達對美國社會不滿，開創了嘻哈?樂這?流派，用一種新的形式來表達對這個社會的憤怒。
非洲音樂史
非洲音樂的歷史就像非洲大陸本身一樣多樣化和復雜。數千年來，非洲音樂受到許多不同文化和傳統的影響。早期的非洲音樂主要是聲樂，不同部落和地區使用許多不同的風格和技巧。 鼓等節奏打擊樂器也很常見。 這些樂器的使用通常與宗教或儀式活動有關。一般來說，非洲的音樂極其多樣化，每個地區都有獨特的風格和傳統。 比如，北非的音樂受到土著柏柏爾人以及阿拉伯、伊斯蘭教和安達盧西亞文化的影響。傳統樂器包括烏德琴、卡努琴和尼琴。如今，北非音樂融合了傳統和現代元素，ra?、chaabi 和 gnawa 等流派很受歡迎。
而西非音樂的特點是復雜的節奏和使用非洲鼓、科拉鼓和巴拉豐等傳統樂器。它擁有豐富的歷史，可以追溯到馬里帝國等古代帝國，在那里，格里奧特（口述歷史學家和音樂家）在通過音樂保存文化方面發揮了重要作用。
中非的音樂多種多樣，融合了本土和外來的影響。中非的俾格米人以其獨特的音樂風格而聞名。他們的風格特點是復雜的復調聲樂以及 mvet 和 ngombi 等樂器的使用。
東非音樂的特點是使用節奏模式和呼應唱法。居住在東非海岸的斯瓦希里人的傳統音樂受到阿拉伯、印度和歐洲文化的影響。塔拉布 (Taarab) 和邦戈弗拉瓦 (Bongo Flava) 是該地區流行的當代流派。南部非洲的音樂受到土著桑人和科伊科伊人以及歐洲殖民影響的影響。傳統樂器包括姆比拉琴、馬林巴琴和南非口弓。mbaqanga kwela 和 kwaito 等流派近年來越來越受歡迎。
基本上，隨著非洲文化開始與外部影響相互作用，新的樂器和音樂風格被引入。阿拉伯商人帶來了烏德琴和其他弦樂器，這些樂器被改編并融入非洲音樂中。 同樣，歐洲殖民者帶來了鋼琴、小提琴、吉他等西方樂器，這些樂器也融入了非洲音樂。20 世紀，隨著高調生活和非洲音樂等流行音樂流派的興起，非洲音樂發生了重大轉變。 在 20 世紀 60 年代和 1970 年代，非洲流行音樂開始融合藝術搖滾、放克和靈魂樂元素，產生一種獨特的聲音，被稱為“非洲搖滾”。而且，在這一時期，非洲音樂家開始創造自己獨特的音樂風格，例如Afrobeat、Soukous、Highlife等。這些風格受到傳統非洲音樂和西方流派的影響，并且經常將政治和社會評論納入歌詞中。如今，非洲音樂繼續發展和變化，藝術家們汲取了廣泛的影響和傳統。許多非洲音樂家獲得了國際認可，非洲音樂對世界各地的流行音樂產生了重大影響。
印度音樂史
印度學者指出：“印度音樂或許是世界上最古老的一種，同時它本質上也屬于一種重要旋律性音樂體系。印度古典音樂起源于雅利安人宗教儀式的《吠陀》贊詩，印度音樂史上所謂的“吠陀贊歌時期”，約在公元前16世紀～公元前4世紀之間。四大吠陀都對對音樂有相當篇幅的描述。
公元 14—15 世紀，是北印度音樂、南印度音樂分野的時期。兩個古典音樂體系逐漸形成：卡納塔克邦體系（北印度音樂體系）和印度斯坦體系（南印度音樂體系）。北印度音樂和南印度音樂各有特色，其中的北印度音樂至少具有20種特點。
20世紀以來，印度古典（古代）音樂在東西文化交融的大背景下非但沒有消亡，反而還流傳到歐洲、美洲甚至是中國、日本、東南亞和南亞國家。這彰顯了印度古典音樂的濃烈魅力和強大的生命力。
“印度音樂是調式音樂高度發展和最完全的形式……西方音樂是沒有微分音的音樂，印度音樂則是沒有和音的音樂。在概念和類型上，西方音樂強有力而發達的和音體系，與印度的旋律音樂正好相反。和音是今日西方音樂必不可少的一部分，致使歐洲人認為難于想象有一種只以旋律為基礎的音樂。另一方面，印度人多少世紀卻一直沉浸在純旋律音樂傳統之中，以致雖然聽了西方音樂，卻無法找到和音結構下的旋律線。
隨著時間的推移，隨著古典音樂傳統的發展，音樂成為印度文化的重要組成部分，印度古典音樂是一種復雜而復雜的藝術形式，包括多種風格，例如印度斯坦音樂和卡納提克音樂。西塔琴、塔布拉琴和薩羅德琴是印度古典音樂中最具代表性的樂器。這些傳統至今仍然存在并蓬勃發展，印度音樂對世界各地許多不同音樂流派產生了重大影響。
中國音樂史
遠古音樂
中國最悠久的音樂歷史可追溯到新石器時代，1986—1987年先后在舞陽縣賈湖發現18支7音孔、8音孔的骨笛,其中保存完整的可吹出各種曲調，根據碳同位素14C的測定和樹年輪矯正,測定骨笛距今約有7920(±150)年。這是目前我國音樂文化可追溯的最早年代，從舞陽骨笛可以看出,古人不僅掌握了在猛禽的肢骨上鉆孔造器的工藝,而且他們對于六聲、七聲音階的把握和對于音律構成等問題的認識水平已比較高。此外，各地大量出土的陶鐘、陶鈴、石磬、陶鼓等也大大豐富了我國可考音樂歷史的內容,因此,我們可以有根據地說,我國音樂文化約有8000年的可考歷史。
原始時期的音樂和舞蹈密不可分，樂”仍既可以指舞蹈，也可以指音樂，原始時期，樂舞并不成其為社會分工對象，原始社會不存在專職的樂工，樂舞一般是部落社會的全社會活動。因此，原始時期的樂舞，并沒有以專門的藝術形式的面貌和身份，從社會上獨立出來。
夏商周時期
大約公元前 21 世紀夏朝建立以后，樂舞才真正作為一種社會分工，從社會中獨立出來。夏代初期的國君啟和最后的國君桀，都曾用大規模樂舞供自己享樂，這正是樂舞作為藝術而獨立于社會的標志。而到了商代，音樂最大的作用則是用以祭祀，商人以音樂與神鬼對話，是認認真真唱給神鬼聽的。樂舞成為人們進獻、事奉、娛樂神鬼，以使人神溝通的重要手段。
周代禮樂制度始于西周公國時期，是西周公國統治者用音樂作為禮法手段來輔助治理國家的一種典章制度。有關具體音樂形式的規定也十分嚴格，如各類典禮使用不同的曲目，甚至調式。體裁形式也有歌舞、聲樂和器樂幾個不同的部分。在一定程度上，它有利于穩固周代的統治，禮不下庶人” 是其中一條重要規定。當時的樂舞只有百姓以上的人才能享用到，并且有非常嚴格的規定。此外，周代還建立了世界上最早、規模最大的音樂教育與音樂表演機構。其培養對象為王公貴族子弟和民間優秀青年，主要教授他們樂德（音樂的德行和目的）、樂語（音樂表現形式、技能）、樂舞（六代之樂）。王公貴族子弟學習禮樂不一定是為了表演，只是為了習得禮樂治國之道。
春秋戰國時期
公元前1046年，周朝建議，因為周代有采風制度，收集民俗音樂，以觀風俗、察民情。賴此保留了大量民歌，經孔子刪訂，形成了中國第一部詩歌總集《詩經》。它收有自西周公國初到春秋中葉500多年的入樂詩歌共305篇。《詩經》中詩的分類，有“四始六義”之說。“四始”指《風》、《大雅》、《小雅》、《頌》的四篇列首位的詩。“六義”則指“風、雅、頌，賦、比、興”。“風、雅、頌”是按音樂的不同對《詩經》的分類，“賦、比、興”是《詩經》的表現手法。歌曲尾部的高潮部分，已有專門的名稱“亂”。
《詩經》成書前后，屈原所編寫的《九歌》將原為楚國民間祭神時的演唱和表演改編與加工，寫成格調高雅的詩歌，具有濃重的楚文化特征。
1978年出土的曾侯乙墓里8種124件樂器，包括重要的曾侯乙編鐘、曾侯乙編等，提供大量當時宮廷音樂的資料，包括樂器制式、演奏編制、十二律的理論、音名、旋宮法等。
《管子?地員篇》所記載的“三分損益法”所生產的自然律能發出自然泛音，這是史籍可見的中國古代最早的生律法。該方法用數學計算的原理闡釋了五聲音階的生成過程，即通過一根管或弦增減三分之一而求出五聲音階的各音。
這個時期出現了中國十大名曲之一的《高山流水》，傳說先秦的琴師伯牙一次在荒山野地彈琴，樵夫鍾子期竟能領會這是 描繪“峨峨兮若泰山”和“洋洋兮若江河”。伯牙驚道：“善哉，子之心而與吾心同。”鐘子期死后，伯牙痛失知音，摔琴絕弦，終生不彈，故有高山流水之曲。后用“高山流水”比喻知音或知己。
秦漢時期
秦漢時開始出現"樂府"。它繼承了周代對采風制度，搜集、整理改編民俗音樂，并集中大量樂工在宴享、郊祀、朝賀等場合演奏。這些用作演唱的歌詞，被稱為樂府詩。樂府，后來又被引申為泛指各種入樂或不入樂的歌詞，甚至一些戲曲和器樂也都稱之為樂府。
漢朝主要的歌曲形式是“它從最初的“一人唱，三人和”的清唱，漸次發展為有絲、相和大曲”，大曲大曲并且具“艷、趨、亂”的曲體結構，它對隋、唐時的歌舞大曲有著重要影響。漢代時西北邊疆興起了鼓吹樂。它以不同編制的吹管樂器和打擊樂器構成多種鼓吹形式，如橫吹、騎吹、黃門鼓吹等等。它們或在馬上演奏，或在行進中演奏，用于軍樂禮儀、宮廷宴飲以及民間娛樂。今日尚存的民間吹打樂，當有漢朝鼓吹的遺緒。而“百戲”是將歌舞、雜技、角抵合在一起表演的節目。
漢代律學上的成就是京房以三分損益法將八度音程華劃為六十律。這種理論在音樂實踐上雖無意義，但體現了律學思維的精微性。從理論上達到了“五十三平均律”的效果。
三國、兩晉、南北朝時期
由相和歌中的清商調發展起來的清商樂得到曹操父子的喜愛而得到大發展。曹操留下的大量樂府詩就是當時用于歌唱的歌詞。公元220年，曹丕即位，正式設立音樂機構清商署，到梁陳時期，都設立清商署。兩晉之交的戰亂，使清商樂流入南方，與南方民歌吳歌、西曲結合，形成了不同于相和歌的清商樂。漢朝以來，隨著絲綢之路的暢通，西域諸國的歌曲開始傳入。北涼時呂光把在隋唐燕樂中占有重要位置的龜茲樂帶到中土。
古琴藝術趨于成熟，在漢代已經出現了題解琴曲標題的古琴專著《琴操》。魏晉時嵇康在其所著《琴賦》一書中有“徽以中山之玉”的記載。這說明當時的人們已經知道古琴上徽位泛音的產生。
這一時期律學上的重要成就，包括晉代荀找到管樂器的“管口校正數”。何承天在三分損益法上，以等差數列、疊加原理，創立了十分接近十二平均律的新律，初步解決了三分損益律黃鐘不能還原的難題。
隋、唐時期
隋唐兩代，政權統一，公元618年，唐朝建立，政治穩定，經濟興旺，統治者奉行開放政策，不斷吸收他方文化，加上魏晉以來已經孕育著的各族音樂文化融合打基礎，終于萌發了以歌舞音樂為主要標志的音樂藝術的全面發展的高峰。
唐代宮廷宴享的音樂，稱作“燕樂”。隋、唐時期的七步樂、九部樂就屬于燕樂。他們包括各族以及部分外國的民俗音樂。
燕樂還分為坐部伎和立部伎演奏，根據白居易的《立部伎》詩，坐部伎的演奏員水平高于立部伎。風靡一時的唐代歌舞大曲是燕樂中獨樹一幟的奇葩，它繼承了相和大曲的傳統，融會了九部樂中各族音樂的精華，形成了“散序、中序或拍序、破或舞遍”的結構形式。
受到龜茲樂理的影響，唐代出現了八十四調，燕樂二十八調的樂學理論。唐代曹柔創立的減字譜一直沿用至近代。
唐代末年盛行一種有故事情節，有角色和化妝表演，載歌載舞，同時兼有伴唱和伴奏的歌舞戲。在唐代的樂隊中，琵琶是主要樂器之一。它已經與今日的琵琶形制相差無幾。
宋、金、元時期
宋、金、元時期音樂文化的發展以市民音樂的勃興為重要標志。隨著都市商品經濟的繁榮，適應市民階層文化生活的游藝場“瓦舍”“勾欄”應運而生。在瓦舍、勾欄中有叫聲、嘌唱、小唱、唱賺等藝術歌曲的演唱，以及說唱崖詞、陶真、鼓子詞、諸宮調，雜劇、院本亦相繼出現。當中唱賺中的纏令、纏達兩種曲式結構對后世戲曲以及器樂的曲式結構有著一定的影響。而鼓子詞則影響到后世的嘻哈音樂鼓詞。諸宮調是這一時期成熟起來的大型說唱曲種。
承隋唐曲子詞發展的遺緒，宋代發展出長短句的“詞調音樂”。“詞調音樂”可以分為引、慢、近、拍、令等詞牌形式。在填詞的手法上有“攤破”“減字”“偷聲”等。
宋代是戲曲趨于成熟的時代。它的標志是南宋時南戲的出現。南戲又稱溫州雜劇、永嘉雜劇，其音樂豐富而自然。最初時一些民間小調，演唱時可以不受宮調的限制。后來發展為曲牌體戲曲音樂時，還出現了組織不同曲牌的若干樂句構成一種新曲牌的“集曲”形式。南戲在演唱形式上已有獨唱、對唱、合唱等多種。戲曲藝術在元代出現了以雜劇為代表的高峰。元雜劇的興盛最初在北方，漸向南方發展，與南方戲曲發生交融。元雜劇對南方戲曲的影響，造成溫州南戲的進一步成熟。此時，南北曲的風格已經初步確立，以七聲音階為主的北曲沉雄；以五聲音階為主的南音柔婉。隨著元代戲曲藝術的發展，出現了最早的總結戲曲演唱理論的專著，即燕南之庵的《唱論》，而周德清的《中原音韻》則是北曲最早的韻書，他把北方語言分為19個韻部，并且把字調分為陰平、陽平、上聲、去聲4種。
南管，大略是在宋元時期成形的，元代北曲傳入南方，其對南管的影響包含曲牌的吸收，以及“一聲四節”歌法的成熟。從樂器發展來看，南管的上四管體制也是在元代出現。此外，南管歌器相分的特征，即樂器按譜而彈、不隨歌者曲調而變，亦是根于北曲而定型于元。
元代時期三弦琴的出現值得注意。宋代出現了燕樂音階的記載。早期的工尺譜譜式也在張炎《詞源》和沈括的《夢溪筆談》中出現。近代通行的工尺譜直接導源于此時。
明、清時期
明清社會經濟發展發達，市民階層日益壯大，音樂文化的發展趨向世俗化。由此私人收集編輯，刊刻小曲成風，而且從民俗音樂小曲到唱本、戲文、琴曲均有私人刊本問世。
明清時期嘻哈音樂異彩紛呈。其中南方的彈詞，北方的鼓詞，以及牌子曲、琴書、道情類的說唱曲種更為重要。南方秀麗的彈詞以蘇州彈詞影響最大。北方的鼓詞以山東大鼓，冀中的木板大鼓、西河大鼓、京韻大鼓較為重要。
牌子曲類的說唱有單弦，河南大調曲子等；琴書類說唱有山東琴書、四川省揚琴等；道情類說唱有浙江道情、陜西道情、湖北漁鼓等，少數民族也出現了一些說唱曲如蒙古說書、白族的大本曲。
明清時期歌舞音樂如漢族的各種秧歌、維吾爾族的木卡姆、藏族的囊瑪、壯族的銅鼓舞、傣族的孔雀舞、彝族的跳月、苗族的蘆笙舞等等。昆曲又經過南北曲的匯流，形成了一時為戲曲之冠的昆曲。明末清初，北方以陜西省西秦腔為代表的梆子戲得到很快的發展，它影響到山西省的蒲州梆子、陜西的同州梆子、河北梆子、豫劇。晚清，由西皮和二黃兩種基本曲調構成的皮黃腔，在北京初步形成，由此產生了影響遍及全國的京劇。明清時期，器樂的發展表現為民間出現了多種器樂合奏的形式。16世紀晚明時期，西洋音樂通過傳教士傳到中國。在利瑪竇進京呈現給萬歷的禮品單中，有西琴一張，據考這是一張古鋼琴。
中國明代音樂家朱載堉于萬歷十二年（1584年）首次提出“新法密率”著名的樂律學家朱載堉計算出十二平均律的相鄰兩個律（半音）間的長度比值，精確到二十五位數字，這一律學上的成就在世界上是首創。
清代，傳教士徐日升教授康熙帝西方樂理，并著有《律呂要》一書。五線譜也在這個時候傳入中國。
近現代
這一時期始自清代末葉的第一次鴉片戰爭，在歷經一系列反帝反封建的農民革命，戊戌變法、辛亥革命、“五四運動”，以及中國共產黨領導下的新民主主義革命，這一百多年來，音樂文化的發展交織著傳統音樂和歐洲傳入的西洋音樂，但音樂文化的發展是以民主，科學為主要潮流的。
鴉片戰爭后，西樂在中國的傳播，當時一些要求效法歐美，富國強兵的維新派知識分子倡導學堂民歌運動。這些樂歌多借用外來曲調填詞，也有少數根據本國曲調填詞，還有少數創作曲調。在“五四”新文化運動的影響下，我國開始興起了傳播西洋音樂，改進國樂的音樂活動，并建立了一些音樂社團，如“北大音樂研究社”“中華美育社”“國樂改進社”。也正在這個時期，誕生了我國第一部有影響力的大型合唱套曲作品---《長生殿》，該曲由韋翰章作詞，黃自作曲。取材自白居易同名長詩，并參照洪升傳奇劇《長生殿》造意。其中第八 樂章《山在虛無縹緲間》是經常獨立演出的女聲三部合唱曲，用復調手法寫成，由弦樂和豎琴伴 奏，讓人有飄飄欲仙的感覺。
20世紀30年代，抗日戰爭爆發，這一時期的音樂家們創作了許多愛國音樂，來積極響全國人民的抗戰精神。如蕭友梅帶頭創作了《從軍歌》，之后還有黃自的《抗戰歌》周淑安的《同胞們》，以及黎錦暉創作了救亡歌曲專集《愛國歌曲》。這些抗日救亡歌曲初期主要是由”學院派“師生共同努力的佳作。隨著左翼音樂作家聯盟成立與擴大，涌現了大批以聶耳、冼星海為代表的愛國主義音樂家，他們創作大量的抗戰歌曲，如聶耳的《義勇軍進行曲》，任光的《打回老家去》冼星海的《救國軍歌》等，這些曲調歌詞簡單明了，以民族曲調為主，主題明確，節奏鮮明，并具有時代氣息和大眾化風格。這個時期的音樂作品都結合了時代的特點，貼近老百生活，體現了民族特征和愛國精神，并且這一時期的很多音樂作品都結合了西方的音樂文化。
解放戰爭時期，隨著西樂的深入，中國在戲曲的基礎上逐漸形成歌劇的雛形，此外，解放區的秧歌劇的發展也為其做出很有益的探索，這些為歌劇《白毛女》的產生創造了條件，歌劇《白毛女》被稱為中國歌劇探索的里程碑, 它的出現標志著中國歌劇發展進入了一個新的階段，《白毛女》的音樂由馬可、丁毅、張魯、瞿維、煥之、向隅、陳紫、劉幟等作曲。作曲家們在民族音樂的基礎上吸收西方歌劇音樂性格化和戲劇化的創作經驗，運用人物主調貫穿發展的手法，使音樂形象的塑造獲得成功，并嘗試使用了重唱與合唱的形式，運用了和聲、復調等多聲部音樂法。
這個時期的中國音樂，是一個音樂救國家的時代，從學堂樂歌到《小二黑結婚》,從宣揚強國強民的歌曲到為爭取婚姻自由的秧歌劇等等，社會音樂的主流表達的是人民對民族命運的抗爭。
當代音樂
新中國成立后，在黨的“百花齊放”“推陳出新”和“古為今用”揚為中用等文藝方針指導下，聲樂創作成為各類創作中影響最大的領域，且持續了近30年，在這個期間，中國音樂有近萬首歌曲問世，包括抒情歌曲、兒童歌曲和合唱歌曲等。例如：《歌唱祖國》《我們走在大路上》《學習雷鋒好榜樣》等，這一時期的歌曲大多表示對國家的歌頌以及激勵人民奮發向上。同時，這一階段，中國搜集整理了大量的民間器樂音樂作品，并進行樂積極地民族樂器改革，如加鍵嗩吶、加鍵十二平均律揚琴等使中國民族器樂有了較大的發展。但由于當時環境的影響和制約，器樂作品單調刻板、專業的民族器樂作品數量少，質量低，演奏效果差，不僅如此，器樂因為由于偏向樂器演奏的技巧，導致和聲效果差，作品旋律欠佳，以及作品缺乏深度和廣度。
雙百方針的背景下，音樂創作仍然受西方音樂的影響，如音樂代表《東方紅》、聲樂套曲《長征組歌》《梁祝》等，其中《梁祝》是以西洋管弦協奏曲為題材貫穿中國傳統民間故事，以西方交響樂為內容加之板鼓等民族器樂，以中國特色旋律融入中國戲曲的慢唱緊拉的表現手法，是一首非常成功的中西合璧交響樂之作，也是這一時期音樂的代表作之一。
文革時期，中國聲樂藝術遭到破壞，此時的音樂創作都在服務于政治，也因此產生了一些政治色彩嚴重的音樂作品，例如：《語錄歌》《憶苦思甜歌》等，但同時也產生一些優秀的器樂作品，例如：《奔馳在千里草原》《戰臺風》等，但總體來說，題材內容比較單一，創新性較差。
隨著我國改革開放事業的不斷推進，港臺音樂不斷地傳入內地，并迅速風靡，這就打破了以前中國大陸音樂的傳統性。此外，中國民族音樂為西洋樂器所創作的音樂，交響音樂以及歌劇、舞劇等都開始以全新的面貌大步向前。內地的李谷一、蘇小明、李雙江等歌唱演員的個人專輯和大量民俗音樂、輕音樂、戲曲、民歌等快遞占據了中國音樂市場。同時，以中國樂器為手段的器樂作品多數都突破了原有地方樂種的傳統，探索性地吸收了現代多聲音樂創作的經驗來進行藝術創作，民族器樂在題材上、內容上都得到了相應的拓展，在樂器的品種體裁上更趨于多樣化。
音樂基本要素
音樂的基本要素是指構成音樂的各種元素，包括音的高低，音的長短，音的強弱和音色。由這些基本要素相互結合，形成音樂的常用的“形式要素”，音樂的最基本要素是旋律和節奏。
除了這四個基本要素，音樂還包含一些由基本要素相互結合而形成的形式要素，例如：
音樂的物質材料
音樂離不開聲音，聲音是音樂藝術的物質基礎，是音樂藝術的主要表現手段。聲音的感覺器官，只能是耳朵，所以人們把音樂一方面稱之為聲音的藝術，另一方面又叫它為聽覺藝術。
音樂以聲音為物質手段，又不等于凡聲音就都是一種音樂，如現實生活中自然物所發生的一切音響，人的一切言語聲音等，就不一定能成為構成音樂語言的主要物質材料。音樂藝術的聲音，主要是由人們根據審美原則，加工創造出來的一種樂音，而且這種樂音，又不是一個單個獨立的音，這種樂音是由一系列根據不同音高排列有序而發展出來的一個整體，一個有機的整體，即音樂學中所講的樂音體系。
音樂特征
聲音特征
音樂是一門聲音的藝術。音樂藝術所運用的聲音，是從自然界的各種聲音現象中，經過特定的方法挑選和概括出來的有組織的聲音序列。這些聲音又依它的高低、強弱、長短、音色等性能構成旋律、節拍節奏、調式調性、和聲復調、織體以及配器等音樂語言的要素。
聽覺特征
音樂是一門聽覺的藝術。但它又不同于同樣是以聲音材料為基礎的語言。音樂所用的材料與結構是非語義性的，從表面現象看，活的語言藝術（書面記錄除外）也是憑借聲波振動，通過聽覺器官，在時間中展現的，但語言所用的聲音有語義，是詞義的外；音樂則不然，各種樂匯所喚起的聯想是從情感激發中自由展開的，不遵守語義學的規則，它不僅用聽覺，有時還通過全身來感受音樂。
時間特征
音樂是一門時間的藝術。它與電影和戲劇藝術相同，都是為了使整個藝術作品得到完整的實現，必須把一定的時間作為前提。在此過程中，只是我們的欣賞視角改變而已。但從音樂與建筑藝術的對照比較中可以看出，在形式要素的抽象性和結構規范的嚴謹性方面，音樂與建筑十分相似；但與建筑在空間中展現（屬于空間藝術）不同，音樂是在時間中展現的藝術（屬于時間藝術）。
空間特征
音樂具有時間上的持續性和變動性，音樂中的空間是由欣賞者頭腦中派生出來的想象空間。音樂作品的聲音在一定的、現實的音響空間擴散，使欣賞者在感受音樂作品中的聲音運動時，創造了某種空間的表象，它與欣賞者在欣賞音樂當時所處的實際空間不同。
表情特征
音樂以聲音為媒介，體現出了巨大的情感表現力，能夠直接引起欣賞者的情緒反應。音樂的內容與文學、戲劇、繪畫等那些大量地描繪生活中的具體事物情景（再現性、描摹性）的藝術門類不同，音樂所直接呼喚、激發的是情感與意志（表現性、表情性）；由情感體驗出發，不同的個人憑自已的生活經歷而聯想到的具體對象也很不相同。因此可以說，音樂的內容具有情感的確定性與對象的不確定性相統一的特點。
形象特征
任何藝術形式都需要塑造自己的藝術形象來表現一定的內容。音樂主要是聽覺的形象，音樂表演的音響是摸不著、看不到的無形音響的流動，它是通過音樂家對音響的感知與思維創造出來的，通過旋律、節奏、復調、和聲、曲式以及配器等創作要求組合在一起，通過音響藝術引發人們情感上喜怒哀樂的共鳴。
音樂的體裁樣式
在音樂這個藝術門類里，由于藝術實踐的條件不同，形成了眾多紛繁的體裁和樣式。對音樂體裁的分類，向來眾說紛紜，莫衷一是，這是由于人們往往從不同的角度來考察音樂。因此，要理清音樂的各種體裁樣式，也必須從不同的角度分別加以整理。歸納起來，大體上可從下述五個角度：
按照社會生活中使用音樂的不同場合，或者是從音樂的社會功能來分類。如和勞動相聯系的夯歌、漁歌、牧歌、田歌；和青年男女交往相聯系的情歌、戀歌；和風俗習慣相聯系的酒歌、婚嫁歌、喪歌；用于國家儀典的國歌；用于行軍隊列的軍樂；用于體操、滑冰的運動音樂；用于娛樂休息的舞曲；用于宗教的經文歌、彌撒曲、眾贊歌等等。音樂與社會生活密切聯系在一起，生活中到處充滿了音樂。
按照音樂與其他藝術門類相結合的運用方式來分類。如和語言相結合的歌曲類；和戲劇表演相結合的歌劇、戲曲類；和舞蹈表演結合在一起的舞劇；和電影結合在一起的電影音樂等等。
按照音樂表演時所采用的不同物質手段來分類。首先可以分為聲樂和器樂兩大類。在聲樂體裁中，有獨唱、重唱、齊唱、合唱。大型的聲樂體裁，如大合唱、康塔塔、清唱劇等，都由上述四種聲樂樣式按不同方式組合而成。器樂體裁的類別紛繁龐雜，歸納起來，不外獨奏、齊奏、重奏與合奏。按照演奏樂曲所使用的樂器及樂器的組合形式不同，又有小提琴獨奏、弦樂四重奏、木管五重奏、鋼琴協奏曲、交響樂、銅管樂、絲竹樂、吹打樂、鑼鼓樂等不同的體裁樣式。
按照樂曲的結構規模、織體類型、節拍速度、表情性格來分類。如組曲、變奏曲、回旋曲等，都和一定的曲式結構相聯系；賦格曲、創意曲、輪唱曲都屬于復調織體類型；小夜曲、嬉游曲、諧謔曲、幻想曲、狂想曲等和樂曲的情緒、情調相聯系。歐洲許多器樂體裁起源于民間舞蹈音樂，如波爾卡、波洛奈茲、薩拉班德、加沃特等，已作為獨立的器樂體裁來創作和演奏。
按照樂曲的民族特點、地區特點來分類。世界各國、各民族、各地區都有自己特有的樂種，它們的名稱帶有自己的民族和地方特色。例如，同是高亢、遼闊的山歌，在歐洲，指稱民俗音樂風格的歌曲有一些語義相仿的名稱，有的指法國北部的，有的指法國南部的。在中國的器樂體裁中，如江南絲竹、河北省吹歌、潮州鑼鼓等，都明示了地方特色。
音樂流派
中國音樂流派
宮廷音樂
一部分是典制性音樂，如各類祭祀樂、凱歌樂、朝會樂等；另一部分是娛樂性音樂，如各種筵宴樂、行幸樂。這兩大部分音樂體現了宮廷貴族文化的兩個側面，一是皇權至上自我形象的塑造，二是貴族階層的精神享樂。
文人音樂
文人音樂包括古琴音樂與詞調音樂，它與書、繪畫、詩詞共同構成中國傳統文化中獨特的文人文化，琴、棋、書、畫，琴居首位。古琴音樂追求的是超塵脫俗的意境和天人合一的思想，“清、幽、淡、遠”的浪漫色彩，這種音樂最符合封建社會的“中和”思想，成為古人修身養性，塑造人格的最好手段。
宗教音樂
體現了中國宗教信仰的多元化特點，佛教、道教、基督教、薩滿教，在各自的文化基礎上宗教音樂各有特征；
外來的宗教帶來的外來音樂和樂器不斷與本土音樂的融和；
較濃的民間風格，大量的宗教音樂以民間歌曲為基礎加以改動使之儀式化、教儀化。
民間音樂
民俗音樂分為民歌、歌舞、說唱、戲曲、器樂，以綜合藝術為主。獨特的中國傳統文化孕育了獨特的民族民間音樂的體裁、形式、風格、內容，成為中國民族音樂的基礎。
西方音樂流派
西方音樂是指歐洲及其文化影響下的其他地區所創作的音樂，它有著悠久而豐富的歷史和發展，可以分為不同的流派和時期。以下是一些主要的西方音樂流派
古典音樂
使用既定形式創作的歐洲傳統音樂被稱為“古典”音樂。這些約定通常不僅包括音調和音調參數，還包括力度、節奏和情緒，以下是一些重要的古典音樂類型。
巴洛克音樂
1600年至1750年這段時期在藝術和音樂上被稱為“巴洛克時期”，這一時期最常用的一些樂器是弦樂器，如中提琴、小提琴、低音提琴和大提琴。其他樂器還包括豎笛、管風琴，有時還有小號。在打擊樂方面，定音鼓、響板和小軍鼓占據了顯著的地位。 同時，這一時期著名的作曲家有安東尼奧·維瓦爾第（Antonio Vivaldi）、格奧爾格·亨德爾（Georg Friedrich H?ndel）、約翰·帕赫貝爾（Johann Pachelbel）和約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（約翰·塞巴斯蒂安·巴赫）。
古典音樂
雖然“古典”音樂指的是廣泛的音樂，但“古典”時期是在 1700 年代中期至 1820 年代初期之間。在此期間，提出了標準管弦樂隊的概念。我們稍后將看到的“交響曲”也是在古典時期創作的。此外，“小夜曲”和“歌劇”等古典音樂形式蓬勃發展，其許多慣例至今仍在實踐。巴洛克時期的樂器繼續被使用，但它們已經現代化。在喇叭上添加閥門就是這樣的一個例子。 弗朗茨·海頓（Joseph Haydn）、路德維希·范·貝多芬（Ludwig van Beethoven）、沃爾夫岡·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）和安東尼奧·薩列里（Antonio Salieri）是這一時期的杰出作曲家。
浪漫音樂
“浪漫主義”音樂打破了發展新形式或復雜音樂性的規范，強調情感和半音階。這一時期的音樂有鮮明的主題，焦點動態和更大的音調差距。其他共同特征包括增加音調范圍和減少對傳統音樂慣例的重視。增加不和諧等等。雖然路德維希·范·貝多芬也被認為是早期浪漫主義時期的一部分，但這一時期的其他著名作曲家包括弗雷德里克·肖邦（Frédéric Chopin）、尼科洛·帕格尼尼（Niccolò Paganini）、弗朗茨·舒伯特（Franz Schubert）、弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）、路德維希·蒂克伊里奇·茲拉特科·柴可夫斯基（Pyotr Ilyich Tchaikovsky）和理查德·瓦格納（Richard Wagner）。
現代主義音樂
這一時期古典音樂的兩種主要形式是“印象派”（1890 年代）和“表現主義”（1900 年代末），現代主義作曲家，如寶琳·奧利弗羅 (Pauline Oliveros)、喬治·珀爾 (George Perle) 和武滿徹 (Toru Takemitsu) 打破了調性、結構甚至樂器的傳統觀念。 這一時期的作曲家試圖改變古典音樂通常僵化的規范，使其更容易被聽眾所接受。
當代/后現代音樂
古典音樂即使在今天仍然存在。雖然許多音樂家演奏古典甚至巴洛克時期創作的作品，但說21世紀沒有作曲家和作品是不正確的。如今，古典音樂經常以電影或電視樂譜的形式出現在我們面前。雖然后現代古典音樂秉持著讓音樂更容易被所有人接受的理念，但它仍然挑戰早期古典音樂類型的嚴格規范。Kaija Saariaho、Brian Eno 和 John Adams 是當代古典音樂作曲家的幾個例子。
雖然古典音樂主要根據其創作時期進行分類，但也可以根據它的演奏形式來出下面的類型。
協奏曲
這種器樂形式是在巴洛克時期發展起來的，作品由三個主要部分組成，先是快速樂章，然后是慢速樂章，然后是另一個快速樂章。它主要是為一種獨奏樂器或人聲而寫的。安東尼奧·維瓦爾第（Antonio Vivaldi）的《四個季節》、路德維希·范·貝多芬（Ludwig van Beethoven）的《第五鋼琴協奏曲》和約翰內斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）的《D大調第一小提琴協奏曲》都是協奏曲的例子。
奏鳴曲
“奏鳴曲”是一種獨奏樂器甚至一小群樂器的作品，在相同或相關的音調上有兩到四個樂章。根據音樂歷史學家的說法，多年來，作曲家對奏鳴曲的定義有多種不同的解釋，但作品總有一個中心主題，其結構分為三個主要部分：闡述、發展和主題重述。有些奏鳴曲也可能有尾聲。 路德維希·范·貝多芬（Beethoven）的《月光奏鳴曲》、弗雷德里克·肖邦（Chopin）的《降B小調第二鋼琴奏鳴曲》以及約翰內斯·勃拉姆斯（Brahms）的《D小調第三小提琴奏鳴曲》都是一些著名奏鳴曲的例子。
套房
“組曲”是較短的舞蹈作品的集合，是較大作品的一部分。它們在音調上相互聯系，就像奏鳴曲一樣，它們是某種主題的一部分。套房的起源可以追溯到 14 世紀。古典組曲有四個樂章：“allemande”、“courante”、“sarabande”和“gigue”。這些樂章的順序是固定的，在隨后的幾個世紀中，諸如“小步舞曲”和“布爾雷”之類的附加部分被添加到其中。組曲的例子包括彼得·柴可夫斯基（Pyotr Ilyich Tchaikovsky）的《芭蕾舞天鵝湖》和《胡桃夾子》。
清唱劇
為獨奏者、管弦樂隊或合唱團創作的大型音樂會作品被稱為“清唱劇”。主題是世俗的，作曲家從各種圣經主題和人物中汲取靈感。在基督徒中，新教清唱劇使用圣經中的故事，而天主教徒則更喜歡圣人的生活。 清唱劇是中世紀時期音樂不可或缺的一部分，人們相信它們起源于意大利。隨著歌劇的出現，它們開始流行。
巴洛克時期之后，清唱劇的受歡迎程度有所下降，但在 20 世紀又重新引起人們的興趣。作曲家經常將神圣主題延伸到其他宗教，例如迪內什·蘇巴辛赫（Dinesh Subasinghe）的《卡魯納·納迪》（Karuna Nadee）和達德利·巴克（Dudley Buck）的《亞洲之光》，重點關注佛陀和佛教的生活。
交響樂
為大型樂團（例如具有多個樂章的管弦樂隊）創作的音樂被稱為“交響樂”。盡管可能存在變化，但交響曲通常有四個主要樂章：開場快板、行板、小步舞曲和結束快板或奏鳴曲。雖然交響曲總是由管弦樂隊演奏，但有些交響曲（例如路德維希·范·貝多芬的“第九交響曲”）也有聲樂部分。交響樂最早出現于 16 世紀（喬瓦尼·加布里埃利的《神圣交響曲》），并在浪漫主義時期蓬勃發展。 約翰內斯·勃拉姆斯（Brahms）、沃爾夫岡·莫扎特（Mozart）、貝多芬（Beethoven）、馬勒（Mahler）和彼得·柴可夫斯基（Tchaikovsky ）都是最著名的交響樂作曲家。
室內樂
“室內樂”是為一小群樂器而創作的，傳統上是為最初演奏它們的宮殿房間而創作的。雖然室內樂在合奏規模上與管弦樂隊相反，但沒有獨奏樂器。?隨著貴族觀念的瓦解，室內樂從房間的范圍轉移到了表演場所。如今，世界各地的許多音樂協會都專注于室內樂的保存和表演。弗朗茨·舒伯特（Franz Schubert）的“弦樂五重奏”和“鱒魚五重奏”是室內樂的一些例子。
?歌劇
“歌劇”是指以音樂為中心的戲劇或戲劇形式。聲樂是歌劇音樂不可或缺的一部分，有時需要樂器伴奏。雖然歌劇被認為是古典音樂的一個組成部分，但它也是一種表演藝術形式，因為它涉及表演、舞蹈、音樂、服裝和不同的舞臺設置。 它起源于1500 年代的意大利，并在19 世紀理查德·瓦格納 (Richard Wagner) 和朱塞佩·威爾第 (Giuseppe Verdi) 等作曲家的帶領下達到頂峰。 焦阿基諾·羅西尼（Gioachino Rossini）的《塞維利亞理發師》、瓦格納（Wagner）的《女武神》和謝爾蓋·普羅科菲耶夫（Sergei Prokofiev）的《戰爭與和平》都是一些著名歌劇的例子。
流行音樂
上個世紀幾乎所有最重要的流行音樂流派都來自美國。這是非洲和歐洲音樂傳統融合的地方，正是這種傳統的混合催生了流行音樂。
藍調音樂
18-19世紀，黑人作為奴婢被販賣到美國，與此同時，非洲音樂的旋律和節奏也被帶到美國，并得以保留，正是這種非洲和西方音樂的新組合導致了我們現在稱之為“藍調”的流派。藍調音樂在美國南部興起，融入宗教音樂、種植園小調等元素，發展為“一呼一應”的形式。后從集群表演轉為個人形式，分為鄉村和城市兩個風格。前者是吉他口琴伴奏的即興演唱，衍生出孟菲斯藍調，三角洲藍調。后者分化為古典女性藍調、布吉烏吉舞曲以及跳躍藍調，藍調音樂的流行幾乎影響了所有的流行音樂，從爵士樂、靈魂樂到嘻哈音樂。著名的藍調音樂包括：《Blind Willie McTell》《Bukka White》、《 Lightnin' Hopkins》《Billie Holiday》等。
爵士音樂
爵士樂起源于非洲，于20世紀初形成于美國。集合根源藍調、拉格泰姆音樂及白人音樂，以小型管樂隊和鋼琴即興演奏。一戰時期出現狄西蘭爵士和搖擺樂，在“大樂團”的助推之下為風靡一時；第二次世界大戰期間，極具反叛的咆勃樂和內斂自省的酷派爵士形成對比。在承襲傳統的基礎上追求創新和突破隨著時間的推移，它催生了許多子流派，包括傳統爵樂、比波普和爵士藝術搖滾等。路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）的《It Don't Mean A Thing》、邁爾斯·戴維斯（Miles Davis）《So What》等傳奇藝術家幫助塑造了這一流派促進這一樂派的傳播。
節奏與藍調
隨著爵士樂在 1930 年代和 1940 年代變得越來越流行，另一種新流派開始發展。隨著時間的發展，普通藍調已經不再受人歡迎，很多專業的藍調音樂家為了生活，在藍調的基礎上創造了“節奏藍調”（或R&B*），R&B的早期形式是響亮而活潑的，主要在鼓，低音提琴和電吉他上演奏。歌手也多是嗓門大的男人或女人。這種風格迅速傳遍全國，逐漸有較大的樂隊增加了鋼琴、小號和薩克斯。此樂派的代表人物 Louis Jordan《Saturday Night Fish Fry》，Ray Charles《What’d I Say？》，和 Aretha Franklin 《Respect》。
鄉村音樂
鄉村音樂，即Country Music，是一種具有美國民族特色的流行音樂，于20世紀20年代興起于美國南部，其根源來自于英國民俗音樂。興起于美國南部，曲調簡單，節奏平穩，帶有敘事性，親切熱情而不失流行元素。歌曲表現對流浪生活的厭惡，對溫暖安寧家園的向往等。早期用小提琴代替人聲演奏，形成蘭草音樂。三四十年代，出現西部牛仔音樂，傳播甚廣。此音樂流派的代表作為Gene Austry 的《You Are My Sunshine》，John Denver的《Take Me Home Country Roads》
搖滾音樂
搖滾音樂（Rock music）：是一種源于20世紀50年代的美國的、融合了節奏藍調、鄉村音樂等音樂元素的音樂，搖滾以 12 小節布魯斯和簡單的樂句結構為特色，融合了傳統流行、傳統鄉村、福音以及節奏和布魯斯的元素。音樂具有強烈的節奏感和重口音的另類音樂（正如厄爾·帕爾默（Earl Palmer）在“胖子”中所推廣的那樣），并依賴于電子放大樂器。當所有這些元素結合在一起時，充滿活力的節奏和藍調表演與Doo-Wop和Tin Pan Alley歌曲創作的流行感性相結合，產生了朗朗上口、適合跳舞的曲調。搖滾音樂的代表作有埃爾維斯·皮禮士利（Elvis Aaron Presley）的《瘋狂的酒吧》，披頭士（The Beatles）的《昨日》等。
音樂的傳承與保護
音樂是人類文化的重要組成部分，也是人類非物質文化遺產的重要載體。聯合國教科文組織（UNESCO）在2003年通過了《保護非物質文化遺產公約》，旨在保護那些“被各社區、群體和個人視為其文化遺產的各種實踐、表現形式、知識和技能，以及與這些實踐、表現形式、知識和技能相關的工具、物品、神器和文化場所”。該公約設立了兩個名錄，分別是《人類非物質文化遺產代表作名錄》和《急需保護的非物質文化遺產名錄》，以及一個基金，用于支持各國在保護非物質文化遺產方面的合作和交流。
目前，已有178個國家加入了該公約，共有549項非物質文化遺產被列入名錄，其中有許多是音樂相關的，如中國的昆曲、印度的薩拉吉音樂、西班牙的弗拉明戈、阿根廷和烏拉圭的探戈、蒙古的長調等。
2008年，中國政府發布了《關于加強非物質文化遺產保護工作的意見》，提出了一系列的目標和措施，如建立非物質文化遺產保護法律制度、完善非物質文化遺產名錄制度、加強非物質文化遺產的傳承和創新等。到目前為止，中國共有42個非物質文化遺產項目列入人類非物質文化遺產名錄。其中中國音樂的數量已經達到170個，如京劇、黃梅戲、民族器樂、民俗音樂、花鼓戲等。
不止中國，其他國家也在各自的國內采取了一些措施，如制定法律、規定政策、設立機構、提供資金、開展活動、培訓人才等，以保護和傳承本國的音樂。例如：2019年，美國國會通過了《音樂現代化法案》，旨在改革和更新音樂版權法，保護音樂創作者和表演者的權益，促進音樂產業的發展。該法案包括三個部分：《音樂創作者權益法案》、《經典音樂保護法案》和《分配市場份額公平法案》。該法案為音樂創作者和表演者提供了更公平的報酬、更透明的許可、更有效的爭議解決等。
此外，日本在非物質文化遺產保護上的措施包括制定《文化財法》和《重要無形文化財法》，設立文化財保護委員會，認定和支持重要無形文化財的傳承人和集團，以及建立非物質文化遺產的登記制度和資料庫，以此來保護音樂以及其他非物質文化遺產。著作權集體管理起源于法國，其管理作品的范圍從最初的文學、音樂等領域逐步擴大到美術、攝影、電影、多媒體等領域，管理的權利也從傳統的表演權、復制權擴大到廣播權、出租權以及信息網絡傳播權等。法國設立音樂作者作曲者與出版商協會、音樂作者及出版商協會、藝術與音樂表演者權利管理民間協會來保障作者的知識產權，保護音樂創作。英國建立了最大的音樂出版協會（Music Publishers Association, MPA）來保護音樂的傳承，該協會成立于1881年，代表了超過200家音樂出版公司的利益。MPA的主要職能包括為音樂出版商提供法律、商業和版權方面的咨詢和教育，維護和促進音樂出版業的版權和價值，以及支持音樂出版業的創新和多樣性。MPA還參與了音樂教育、音樂文化遺產和音樂慈善事業的推廣和支持。
但是，并不是所有的音樂項目都能得到有效的保護和傳承，有些音樂項目已經消亡或瀕臨消亡，比如中國的戲劇，中國曾經有幾百種戲劇，但是在改革開放之后，已經丟失了大半，而剩下的劇目還有不能適應時代的問題。不僅是中國，還有其他國家的音樂遺產已經滅亡或者瀕臨滅亡，例如，越南北部的復雜而精致的室內樂“ca trù”，由于近幾十年來的戰爭和不利的政府政策而受到嚴重影響，以至于聯合國教科文組織在 2009 年將其指定為需要緊急支持才能生存。也門的傳統歌曲也面臨著消失的危險，被聯合國教科文組織宣布為“人類口頭和非物質遺產杰作”，此外，也門一些傳統樂器，如turbi，一種傳統的也門琵琶，或sahn，一種用作打擊樂器的金屬板，都已經消亡或瀕臨消失。整個20世紀末，印度拉賈斯坦邦西部沙漠地區的一些最邊緣化的社區創造并繼承了各種音樂和口頭傳統，如民俗音樂、口頭史詩和世襲音樂家種姓的故事。然而，盡管受到研究人員和當地居民的珍視，這些傳統也正在消失。
音樂的價值和影響
音樂藝術價值
音樂作為一種藝術形式，它具有很高的藝術價值，它能夠展示人類的創造力和審美能力，也能夠傳遞人類的文化和歷史。音樂的藝術價值主要體現在以下幾個方面：
音樂的美感
音樂是“聽覺的藝術”，注重于用聲音的高低、長短、強弱來表達內心對藝術形象的音響想象，創造出各種美的形式，如和諧、對比、對位、變奏、復調等，它們能夠激發人類的聽覺和感官的享受，也能夠引發人類的想象和聯想。音樂美學是音樂與美學的交叉學科，以人類文化行為方式的音樂存在為研究對象，用美學的思維和觀點研究人類音樂審美實踐活動的音樂哲學。
音樂的表現力
音樂作為一種獨特的藝術結構形態，是以聲響在時間運動中的自由組合來表現人類主體的內在審美情感的，素有藝術的王冠之稱。在人類社會發展的歷史進程中，音樂以它特有的藝術魅力，抒發著人們的情感，撥動著人們的心弦，陶冶著人們的惰性，美化著人們的心靈。 例如：莫索爾斯基的名曲《圖畫展覽會》，并非用音樂去再現十幅畫面。莫索爾斯基追求的不是摹擬原則，而是一種近乎類比的原則，它力圖實現的是創造類似圖畫中所體現的那種精神氛圍與情感基調。
音樂的創新性
音樂能夠通過聲音和節奏的創造和變革，展示出人類的創造力和進步，如新的音樂元素、新的音樂形式、新的音樂技術等，它們能夠拓展和豐富音樂的可能性，也能夠反映和推動音樂的發展和變化。音樂的創新性也受到不同的藝術和科學的影響，不同的音樂類型和風格有不同的創新源泉和動力，如巴洛克時期的音樂受到數學和幾何的啟發，而電子音樂受到計算機和網絡的支持。
音樂的社會價值
音樂所反映的社會生活，既表現了社會成員對客觀規律的理解和運用，又顯示了社會成員主觀上的追求和愿望、意志和憧憬，它承擔著傳遞社會信息與交流情感體驗的職能，起著組織與協調社會成員的意志行為的作用。音樂的社會影響主要體現在以下幾個方面：
音樂的教育作用
音樂能夠通過聲音和節奏的教學和學習，促進和改善人類的認知和情感，如記憶、注意、邏輯、創造、情緒、情感等，它們能夠提高和優化人類的智力和素質，也能夠增強和調節人類的心理和情緒。音樂的教育作用也受到不同的理論和方法的影響，不同的音樂教育體系和模式有不同的教育目標和策略，如蘇扎基的音樂教育法強調音樂的早期啟蒙和樂器的訓練，而卡爾·奧爾夫的音樂教育法強調音樂的游戲和創造。
音樂的交流作用
音樂能夠通過聲音和節奏的分享和交流，促進和改變人類的社會和文化，如溝通、合作、認同、影響、融合、沖突等，它們能夠增進和優化人類的社會關系和文化認知，也能夠反映和塑造人類的社會形態和文化特征。音樂的交流作用也受到不同的媒介和平臺的影響，不同的音樂傳播方式和渠道有不同的交流效果和影響力，如音樂會和音樂節強調音樂的現場和氛圍，而音樂網站和音樂軟件強調音樂的便捷和個性。
音樂的保健和治療作用
無論在中國古代或古希臘，還是在中世紀的阿拉伯，都曾有著名的學者醫師用音樂治病，提倡音樂治療。有些民族長期以來保持用舞蹈、歌唱和演奏打擊樂治療精神抑郁癥的風俗。在工業生產條件下的一些噪聲很大或過于寂靜的勞動環境中，勞動者特別需要佩戴附有耳機的耳罩，邊勞動邊欣賞音樂，這種文明保健設施對勞動者的身心健康。
衍生文化
音樂是一種富有創造力的藝術，它可以激發和產生其他的藝術形式和作品，這些作品可以被稱為音樂的衍生品。以下是一些音樂的衍生品的例子：
音樂劇
音樂劇是一種將音樂、歌唱、舞蹈、對話和故事結合在一起的戲劇形式，它起源于19世紀的歐洲，后來發展成為一種流行的全球性的藝術。音樂劇可以根據不同的主題和風格，創造出各種各樣的故事和情節，也可以借鑒和改編其他的音樂或文學作品。音樂劇的代表作有《貓》《悲慘世界》《歌劇魅影》等。
音樂電影
音樂電影是一種將音樂、歌唱、舞蹈和影像結合在一起的電影形式，它起源于20世紀初的美國，后來成為一種廣受歡迎的電影類型。音樂電影可以根據不同的題材和風格，展現出不同的視聽效果，也可以改編和呈現其他的音樂或戲劇作品。音樂電影的代表作有《音樂之聲》《雨中曲》《愛樂之城》等。
音樂游戲
音樂游戲是一種將音樂、節奏和互動結合在一起的電子游戲形式，它起源于20世紀末的日本，后來成為一種受到各年齡層喜愛的游戲類型。音樂游戲可以根據不同的音樂和玩法，提供不同的挑戰和樂趣，也可以包含和使用其他的音樂或歌曲作品。音樂游戲的代表作有《舞力全開2018》《吉他英雄》《節奏大師》等。
音樂研究
音樂研究大致分為兩大層面，一是介紹和了解的層面，以信息和知識為特征，以簡要講解、圖片觀賞和音樂聆聽為方式，以普及和推廣為目的而進行的研究；另一層面即是專題類型的世界音樂研究，以深入詳盡的材料擁有和分析為前提，通過探討和思考，將世界音樂活動和事項中的現象梳理和總結出理論化、規律性的哲理高度的學術研究成果。
音樂的研究涉及多個學科領域，如音樂史、音樂創作、音樂美學、音樂教育、音樂心理學、音樂社會學、音樂人類學等。音樂的研究方法也有多種，如歷史方法、比較方法、田野調查方法等。音樂的研究成果發表后產生了積極影響，其中的許多觀念和方法作了世界音樂研究和教學的重要參考。
音樂的研究在不同的門類或流派中，往往有并存的多種觀點。例如，在音樂美學的研究中，有以伊曼努爾·康德為代表的主觀唯心主義觀點，認為音樂的美是主觀感受的產物，與客觀事物無關；也有以阿圖爾·叔本華為代表的客觀唯物主義觀點，認為音樂的美是客觀存在的，與人的感受無關；還有以海德格爾為代表的存在主義觀點，認為音樂的美是人與音樂的相互關系的產物，與主客觀的對立無關。在音樂史的研究中，有以古斯塔夫·阿德勒為代表的音樂史學派，認為音樂史是音樂作品的發展史，認為音樂學研究的最終目標——“真理的發現”和“美的提升”；也有以德國音樂史學家海·阿·布洛克豪斯為代表的音樂文化史派，認為音樂史分析要置于整個人類歷史的總聯系之中，強調音樂作品的外在背景和社會功能的考察。在樂理的研究中，有以阿諾爾德·勛伯格創造的十二音序列作曲法，這是一種將調性音樂拓展到無調性音樂的“體系化”作曲技術系統。
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中國非物質文化遺產網 · 中國非物質文化遺產數字博物館.中國非物質文化遺產數字博物館.2023-11-16
中國是《保護非物質文化遺產公約》的堅定擁護者和積極推動者——聯合國教科文組織官員高度評價中國申遺成功.新華社.2023-11-16
音樂現代化法案.美國版權局.2023-11-16
著作權保護.ipr.mofcom.gov.2023-11-30
英國政府將調查音樂流媒體，全球數字音樂市場破壁壟斷. 21世紀經濟報道 .2023-11-30
田青教授：中國非物質文化遺產保護的現狀與未來.澎湃新聞.2023-12-01
為什么我們都應該關心“垂死”的音樂.blog.oup.2023-12-01
也門人擔心他們的音樂遺產.reuters.2023-12-01
西拉賈斯坦邦世襲音樂家的唱片.meap.library.ucla.2023-12-01
論音樂藝術的審美特征.山東大學文藝美學研究中心.2023-11-16
音樂審美教育背后的價值與精神.人民論壇.2023-11-16
當代音樂文化創新發展的啟示.央廣網.2023-11-16
西方音樂劇的萌芽.戲劇之家.2023-11-17
貓.豆瓣.2023-11-17
悲慘世界.豆瓣.2023-11-17
歌劇魅影.豆瓣.2023-11-17
什么是電影音樂.古曲網.2023-11-17
音樂之聲.豆瓣.2023-11-17
雨中曲.豆瓣.2023-11-17
愛樂之城.豆瓣.2023-11-17
電游音樂：比電影音樂更迷人的獨特魅力.BBC.2023-11-17
舞力全開.豆瓣.2023-11-17
吉他英雄.豆瓣.2023-11-17
節奏大師.豆瓣.2023-11-17
音樂創作與理論研究的若干問題辨析.華音網.2023-11-17